Комедия дель арте как предок современной комедии

Истоки комедии дель арте

Без крыши и стен, а вместо сцены — площади городов. Никаких мест по билетам — зрители собирались стихийно. Первые дошедшие до наших дней письменные упоминания о комедии дель арте датируются серединой XVI века.

Это искусство выросло не на пустом месте, но на пестрой, шумной, карнавальной почве, где еще не было сцены в привычном нам виде, но уже были артисты — шуты, жонглеры, акробаты.

География становления таких постановок не однородна: две мощные школы — северная и южная — тянули жанр, как канат, наделяя его разными смыслами, отзвуками, оттенками. С севера тянула Венеция — город карнавалов и масок, стал центром утонченной, слегка холодной театральной выучки. С юга — Неаполь, пульсирующий жизнью, темпераментом, телесностью, породил более горячую и плотскую традицию. Эти двойственные начала и стали зерном рождения нового театра.

Прародителем жанра считают Анджело Беолько, известный также под именем Рудзанте. В первой половине XVI века он создавал пьесы специально для венецианских праздников, соединяя в них традицию ученой комедии (спектакли, которые показывали при дворе) с элементами телесного театра — он вводил в драму музыку, танец, элементы буффонады.

Его постановки еще не были полны свободы и легкости, в них не было места импровизации, но именно он привнес в представления комичные элементы, сцены и диалоги. Тогда стало ясно — толпе нужен хлеб, зрелища и смех.

Герои и сценарии: роль артистов в комедии дель арте

Сегодня в театрах главенствуют режиссеры. В комедии дель арте артисты были создателями спектакля — важно было уметь импровизировать. Эта особенность роднит площадной театр с современным стендапом. Зал был не просто молчаливым зрителем — выкрики из толпы могли кардинально изменить ход истории.

Для актеров того времени авторский текст был лишь основой — они не заучивали слова наизусть, достаточно помнить имена героев и общую фабулу. Это было несложно — чаще всего в центре сюжета была сложносочиненная любовь — отношения, которым мешали третьи силы: родители, нелюбимый муж/жена. “Спасителями” чаще всего становились слуги, которые находили способ объединить сердца.

Что говорили артисты комедии дель арте почти неизвестно — в сотнях, сохранившихся до наших дней сценариев, почти нет реплик, только последовательность действий, схема истории. Успех постановки напрямую зависел от умения артистов ориентироваться здесь и сейчас. Источником их вдохновения была жизнь: подслушанные диалоги в трактирах, скандалы вокруг богачей, россказни путешественников.

Если герои были узнаваемы, то артисты, скрывающиеся за масками, оставались бесславными.

Типажи и маски: мир персонажей дель арте

Артисты, которые исполняли яркие, карикатурные роли в комедиях, носили маски. Чаще всего один образ закреплялся за актером на всю жизнь — так лицедей был готов перевоплотиться в любой момент, потому что подолгу вживаться в роль было не нужно, да и костюм каждый раз подгонять под новые мерки не требовалось.

В каждой постановке театра дель арте были:

• Пара влюблённых — герои без масок: Флавио и Изабелла. Они были центральными персонажами, отвечающими за драматизм истории и романтическую линию.

• Смешной сварливый старик — в венецианской традиции это был Панталоне, купец, помешанный на деньгах и контроле, или Дотторе Грациано, учёный болтун, часто в роли педанта. Иногда Доктор и Купец могли быть двумя разными персонажами.

• Бравый вояка, который всё время хитрит и хвастает — это Капитан (или Скарамуча), смешной трус в доспехах.

• Слуги, которые помогают главным героям — эти персонажи, или дзанни, стали одними из самых узнаваемых образов комедии дель арте. Среди них:

  • Арлекин (Венеция) — озорной, ловкий, постоянно голодный слуга в пёстром костюме;

  • Труффальдино (Неаполь) — быстрый на язык и ноги, неутомимый слуга, часто служит сразу двум господам;

  • Бригелла (Венеция) — более хитрый и циничный, часто выступает как шустрый управляющий или коварный слуга;

  • Пульчинелла (Неаполь) — горбатый, с гнусавым голосом, смешной и грубый.

Мужских персонажей было гораздо больше, чем женских. Имена героев варьировались от того, к какой театральной школе относят себя создатели постановки, но характеры, поведенческие особенности и образы были схожи во всех регионах. Важно было сохранять узнаваемость героев, чтобы случайно подошедшие к сцене зрители быстро уловили сюжет и поняли распределение ролей.

Костюмы влюбленных всегда были утонченными, красивыми, элегантными, что указывало на их высокий статус. Неприятные персонажи — антагонисты влюбленных — отличались разного рода недостатками: горбами, бородавками на масках, огромными носами. У слуги-Арлекина был костюм с яркими ромбами, который выглядел, как одежда из заплаток, что подчеркивало его низкородное происхождение.

Особенности жанра площадных постановок

Представления были кривыми зеркалами, в которых отражалась реальность зрителей, облачались пороки общества: жадность, похоть, ненасытность.

В основе первых постановок лежали тексты, переведенные с латыни для ученой комедии, но с ростом популярности площадных театров все больше писателей примеряли маску драматургов — Ариосто, Макиавелли, Бибиена. Однако их сочинения — перегруженные персонажами, сложными словами и подтекстами — мало подходили для театра с улиц. Потому, режиссеры, которые выступали и администраторами, и постановщиками, брали их сюжеты, как основу заменяя диалоги на песни и действия.

Что говорили артисты театра дель арте почти неизвестно — в сотнях сохранившихся до наших дней сценариев нет реплик, только последовательность действий, схема истории. Успех постановки напрямую зависел от умения артистов импровизировать, шутить на ходу.

Неаполитанской комедии были свойственны резкие, импульсивные действия актеров и буффонные шутки. В венецианской традиции все было чуть более сдержанно. Однако толпу веселило то, что сегодня редко увидишь на сцене — изменились времена и нравы. Провинившихся слуг избивали палками, злодеев невзначай пинали и толкали.

Еще одной яркой особенностью площадных спектаклей было использование стихий и сил природы: артисты часто устраивали огненное шоу, а начавшийся дождь мог стать новым витком для истории — быть интерпретирован, как знак свыше.

Наследие и влияние комедии дель арте

Странствующий и неукротимый дух комедии дель арте витает на сценах мира до сих пор. В своем первоначальном виде жанр просуществовал около двух столетий, трансформировавшись и переродившись в другие формы представлений.

Причем влияние на театр было не только в Италии, но и далеко за его пределами, поскольку артисты часто гастролировали — для постановок им было достаточно наличия площади, открытого пространства.

Наибольшее влияние за пределами страны-прародителя комедия дель арте оказала в Испании, где театр и дальше развивался по похожему “сценарию”, и во Франции.

Пожалуй, именно на французской почве комедия дель арте расцвела в ином, неожиданном обличии. Здесь родилась маска Пьеро — печального клоуна, романтичного и трогательного, лишенного буффонады. А образы из итальянской традиции проникли в большую, серьезную драматургию.

Известно, что комедия дель арте и артисты из Италии очень повлияли на восприятие драматургии Жана-Батиста Мольера (в молодости он играл в бродячем театре, а позже получил разрешение и выступал в Париже). Тучи над комедией дель арте стали сгущаться в XVIII веке. Карло Гольдони — реформатор и противник импровизационного хаоса — попытался обуздать эту бурную театральную стихию. Он критиковал ее за шаблонность, за примитивность, но… при этом сам не смог отказаться от ее образов. Он использовал их — с умом, с иронией.

Его оппонент, Карло Гоцци, пошел другим путем — он увидел в комедии дель арте последний бастион фантазии, магии и сказки, и именно в его творчестве жанр сохранился, обрел форму и содержание, которое востребовано до сих пор. Пусть его произведения и стали яркой точкой в жизни классической комедии дель арте.

Влияние комедии дель арте на русскую театральную традицию

Еще до прихода к власти Петра I по улицам бродили шуты и скоморохи. При Петре появились балаганы, которые развлекали посетителей ярмарок и различных народных празднеств.

Во времена правления императрицы Анны Иоанновны — эпохи, когда на русской сцене только начинал складываться облик профессионального театра, в страну ворвались темпераментные итальянские артисты, во главе с Антонио Сакки — последователем самого Гоцци. Так российская публика впервые столкнулась с невиданными масками, вспыльчивыми характерами и совсем инородными театральными ритмами.

Столичные зрители, привыкшие к церемониям, нашли в труппе Сакки нечто неожиданное и живое: здесь и площадная шутка, и сатира на местные порядки, и тот самый Арлекино, которого публика невольно сравнивала с Петрушкой — родным и озорным. Импровизация, насмешка, бытовые истории — все это оказалось куда ближе сердцу, чем предполагалось.

Представления шли на итальянском, но это никак не мешало зрителям понимать — в комедии дель арте действие и эмоция куда важнее слов.

Интересно, что влияние комедии дель арте не сошло на нет с исчезновением самой труппы. Оно пустило корни. Некоторые исследователи полагают, что именно из синтеза — русской балаганной традиции и итальянской масочной комедии возникла ранняя драматургия Александра Сумарокова — первого профессионального русского писателя. В своих первых пьесах он будто продолжил дело итальянцев: те же персонажи, те же типажи, узнаваемые повороты сюжета. А кроме того — множество резких шуток.

В какой-то момент в России, как и везде в мире, уличные представления стали считаться чем-то низкосорнтым. Быть в толпе зрителей стали стесняться даже крестьяне.

Неожиданно, в XIX веке, огонь балаганного театра вдруг охватил пространства театра стационарного: жонглеры, канатоходцы, дрессированные псы — все то, что казалось театру недостойным, вдруг стало эстетическим приемом.

Этим путем пошел и Всеволод Мейерхольд. В начале XX столетия он создал «Балаганчик» по пьесе Александра Блока и оживил на сцене Пьеро — печального, как декабрьская луна. Роль исполнил он сам, а маска стала не прикрытием, а проводником в прошлое, данью уважения, символом философии повествования. К этой форме и персонажам из списка комедии дель арте он возвращался еще не раз.

Даже в страшные годы Великой Отечественной маски и сатира появлялись на стихийных сценах — смех помогал справляться, забыться, выпустить эмоции. Давал ощущение мира, в котором смеяться все еще можно.

Комедия дель арте XXI века: где увидеть представления сегодня

Как водится в истории искусства — то, что казалось забытым, возвращается в новом облике.

В Италии комедия дель арте все еще жива и становится частью городских фестивалей. Конечно, выступают уже не бродячие артисты, в их представлениях все меньше импровизации и сатиры, но все же они продолжают традицию театра из прошлого: надевают маски, костюмы, дышат огнем и подшучивают над зрителями.

По всему миру создаются постановки с элементами комедии дель арте: с участием ее отдельных ярких и узнаваемых персонажей. Правда артистам уже не нужно надевать одну маску на всю жизнь, а за кулисами легко перевоплотиться в другого героя хоть несколько раз за время спектакля. Так, например, «Мнимый больной» Театра Эстрады.

Обращаются современные режиссеры и к произведениям, которые создавали писатели прошлого, вдохновленные дель арте. Например, в «Lе Тартюф» по Мольеру. Спектакль создал Юрий Муравицкий, который довольно часто обращается к наследию уличных театров. В его спектаклях — акробаты, танцоры, прыжки, гримасы, и все, что видели на площадях XVI века.

Кроме того, создатели мюзиклов продолжают наследие площадных постановок: характерные комичные сцены, игра “телом”, гиперболизированные образы, песни и танцы — все это наследие дель арте.

Выходит, что комедия дель арте все еще жива, но она видоизменилась, перетекла в новые, современные форму. Возможно именно потому, что этот театр был живым, он все еще существует, вызывает эмоции и интерес.